2020年、矢吹芳寛は画業３０周年を迎え、記念展を予定しておりましたが、社会情勢を踏まえて延期となりました。ここにWeb展示として出展予定だった作品群から一部を厳選し発表するという形をとらせていただきたいと思います。絵画に興味のお持ちの方は宜しくご高覧くださいませ。

作品３と同様に今作は「写生」というスタンスをとって制作している。作品３では「鋭」と「柔」を対比させているが、ここでは柔かさに鋭さとは違う力強さを加えようという試みが見て取れる。「写生」によって実像の力強さを取捨する事で、茫洋とした雰囲気と芯の強さを作品に同居させたい作者の意向が反映されている。2010年当時は「演舞」という概念に興味があり、嗜好が「静と動」「凛とする」「幽玄」などに向かっていた。そのため、この時期の作品には身体的な表現を意識した観が強くある。　　　　　　　

「写生」「写実」から画面の中の色(ここでは墨色)の響きに興味が移行し始めた頃の作品である。
芙蓉の筆致は「写意」によって省略され、墨の柔かな滲みやグラデーションの味わいによって月夜の雰囲気を醸し出そうとしたのがよくわかる。グラデーションへの嗜好は2020年現在でも続いており、その味わいが作者の中で年々深化した事で、2018年までチョコチョコと加筆されていた。

※写意(しゃい)とは東洋画で、外形を写す事を主とせず、描き手の精神または対象の本質を表現する事。

ある展示の「富士」の図との付け合わせ(対を成す)のために制作。
紙の目に墨を染み込ませていく、または埋めていく作業を意識的に行なっている。
これは作品11などの「富士」を描いていて気づいた滑らかなグラデーションが生み出す絵画的な不思議な効果をより意識的に実験しようとした作者の好奇心によるものである。
月見草には強めの黒(正確には藍墨)をアクセントとして駆使してはいるが、ややシルエット的に捉えて、月を主役に仕立てようとしている。
だが、その意図に相反して、月見草は執拗なグラデーションとアクセント表現を纏って、やや煩い脇役になってしまっている。そこに釣り合いの悪さのような側面があるのだが、(煩さのある)個性派俳優に脇を固められた(無言の)主役がただ(白く円く)佇む姿に物語のワンシーンのような面白さを感じなくもない。
結果、画面には破綻を破綻のまま受け入れた不思議な和合性があるように思う。

2018年のある日の事、プレス(圧)とカロリー(熱)が石を生み出す…みたいな感じの話を耳にした。ふと悟得するというか勝手気儘に想像して「プレスとカロリーが意志を生み出す」とか「プレスは成形、カロリーは焼成」とか「プレスはじっくり、カロリーは勢い(逆もアリ)」とか色々と言葉が膨らんできた。これが物作りの作家の心象なら…と想像は広がり、とりあえず「カロリー」はどう考えても「情熱」だと思い、では「プレスは？」となった。本作を描いた時はまさにそういう思考というか、自問をしている頃で、「プレス」という圧の作業でどのような力が絵の中に注ぎ込まれるのかを試した記憶がある。結果、間接的ではあるが、「カロリー」を考える事にもなり、興味深くもあったが珍しくヘトヘト感が描いた後に残ったのを覚えている。試行してみて意った事は、「別に深くプレスについてこだわる必要はないな」だったが、いい経験にはなったと思う。 (芳寛本人談)

執拗にプレスを意識する必要はないというか、それは自分が向かってみたい場所らしきところとは方向性が違うと悟って描いたのが本作である。作品15の雀は作業の性質上硬質な強さで描かれていたが、本作の燕は絵の核となる強さを感じさせつつも筆致の柔らかさに包まれて名状しがたい姿態で椿の枝に留まっている。描写による沁みが滑らかに連なる事で、いつしか(絵画としての)自立性を帯びていく感じが描いている最中の感覚にあって心地よかった覚えがある。これは創作の中で作品15での思索が布石となっていて、意識しないまま(対象の色や形態表現のみならず)プレスの問題を昇華してしまっていたからかもしれない。
そういう意味では作品15の｢雪梅雀｣と｢椿実燕｣は連作であり、｢強さや深さの質の違い｣、｢冬と夏｣で対を成している。(芳寛本人談)

絵画を描く時「対比(コントラスト)と同時に生じるともいえる(階調)グラデーションの表現をどうするか？」という問題がある。
所謂「キワ」の事で絵画を構築していく際に最も重要な要素の一つである。この「キワ」から生じるグラデーションをともなう作業の響きや趣きの幅は無限にあるといってよい。
西洋絵画において、この問題を完全に明確化したしたのはセザンヌであり、モランディは静物画においてその問題を突出した魅力に変えたと思う。そしてその「キワ」の問題だけで絵にしてしまったのが後期のロスコであり、一つの方向性の抽象画の到達点でもある。
芳寛の場合、2018年辺りから、画面の中で生み出すキワの質が瞭らかに滑らなグラデーションになってきているが、遠因は上記の画家達に対する礼賛の念にあるかもしれない。
竹の節の表現などはロスコの仕事に対しての返礼に見えなくもないほど「キワ」に含みを持たせようとしたのが観て取れる。

絵画において「キワ」に見られる作業をはじめ、全ての作業によって施される色質は「点」「線」「面」に見え、結局は「点」であり「線」でもあり「面」でもあるもで、本来なら「名」はないのかもしれない。
そういうふうな思考が濃厚な芳寛の絵には「分け隔てないのが好き」という嗜好がある意味ハッキリと観て取れる。
本作では古画で学んだ線的要素ないし効果は鳴りを潜め(線的仕事はしているが線として見せない)、主役と思しき夏茜も脇役と思しき姫檜扇水仙も同等に扱っている。もう一つ言えば構成を工夫して余白すら等価値として観者に観てもらいたいようでもある。
「分け隔てないのが好き」は素材の扱いにも及び、紙と絵具・墨の馴染み方や結合の仕様を重視し、「合一(感)」を理想としていると思われる。厳密には「同化」は物理上あり得ず「調和」であるが、「同化」に迫りたいという攻めの姿勢を模索し、様々な「調和」のカタチを見出していく事で、彼の絵は今後も変容し続けていくだろう。

たまたま2019年に油絵の仕事の注文があり、油絵具は乾くのが遅いので、その作品が乾くのを待つ間に数点、別の絵を描く事が出来た。マチエール(材質効果、絵肌)と意匠性にテーマをおいて描いた。過去の日本人の洋画家の一人に素晴らしい絵具勘(素材に対するセンス)を持った方がいらっしゃり、創作意図の中にその方への敬意があったと思われる。葉の色は筆触(タッチ)による筆跡を残し、背景は絵具が表面乾燥する直前に掌で撫でて筆跡を消してみた。個人的には面白い効果だと思っている。(芳寛本人談)　　

芳寛は大学で現代美術を学んだ者であるが、当時から(現代)美術界に面白さを感じる事があまり出来ず、古典から近代絵画への興味は強まるばかりであった。絵画を放棄した現代アートを志向から外したとしても、綿々と続いて来ている近代絵画(無論、抽象絵画を含む)までの絵画観は一筋縄ではいかない深みと広がりがあり、そこを学び知っていく過程で様々な絵の可能性が溢れている事に気づく。
まさに矢吹芳寛が生きている間に表現出来る絵には限りがあるが、絵そのものの可能性は無限であるといえる。
本作は具象絵画と抽象絵画が持つそれぞれの課題を纏めた象(カタチ)の一つである。
それは結局、セザンヌの自然観察(外界の認識)を加味した絵画空間とゴッホの素材美を含めた装飾的な抽象美を混ぜ合わせた作品に過ぎないが、揺らぎを含んで画面に置かれていった絵具のリズムが、また別の絵の可能性を示唆しているようで興味深いものがある。
20代の制作を評論家の一人に「絵画のための絵画による絵画論」と評されたが、ここでも「まさしく」という他ない。